Top 20: obras do acervo da Galleria degli Uffizi

Um passeio pela coleção de um dos primeiros museus modernos do mundo, localizada em Florença, na Itália

Uma das instituições de arte mais respeitadas e mais disputadas do mundo, a Galleria degli Uffizi sempre tem longas filas de espera para visitação, o que mostra a magnificência dos trabalhos que pertencem à coleção do museu italiano. Localizado em Florença, na Itália, é um dos primeiros museus modernos do mundo, tendo sido oficialmente aberto para visitação pública em 1765, apesar de ter se tornado um museu formal apenas em 1865.

A Uffizi guarda tesouros de alguns dos mais aclamados mestres da arte italiana, como Da Vinci, Gentileschi e Michelangelo, especialmente, mas também possui peças importantes mais antigas de tempos que remontam a cultura greco-romana. Abaixo, listamos algumas obras que você não pode deixar de ver quando visitar o museu.

Por ora, ele permanece fechado devido à segunda onda da Covid-19 na Europa. Mas dispõe de uma série de ferramentas e programações virtuais para o público explorar o que tem de melhor ali! Acesse o site para conferir.

Rosso Fiorentino, Angel playing the lute, 1521

Retratando a imagem bastante carinhosa de um anjo criança, aparentemente inseguro em tocar o alaúde que é muito grande em comparação ao seu tamanho, esta pintura é a reinterpretação original de Rosso Fiorentino de um tema tradicional onde as pinceladas notavelmente modernas dão à obra um efeito particularmente vívido, até pelas cores utilizadas pelo artista.

Autor desconhecido, Wrestlers, 1 d.C.

A escultura mostra dois homens envolvidos em uma luta de luta livre, sendo bastante realista pela estrutura firme e proporções generosas dada aos personagens da obra. Inicialmente, a obra não trazia as cabeças das figuras. Elas foram perdidas e posteriormente foram adicionadas outras durante a restauração, encomendada pelo Cardeal Ferdinando de ‘Medici, que comprou a obra. Exposta por cerca de um século na Villa Medici em Roma, foi transportado para Florença em 1677, onde mais trabalhos de restauração certamente levaram à recuperação do braço direito do lutador de cima. A peça de mármore, que data do século 1 a.C., é uma cópia romana de um original perdido em bronze do século 3 a.C., pode ser atribuído a Lisipo, um escultor conhecido por muitos trabalhos em bronze e mármore e, em particular, por sua retrato de Alexandre, o Grande, mas não é uma certeza.

Uma das obras mais potentes de Caravaggio, Medusa foi encomendado ao artista pelo cardeal Francesco Maria del Monte para que pudesse dar de presente a Ferdinando I de Medici. A obra pertence ao Arsenal Medici na Uffizi desde 1631! No século 16, acreditava-se Medusa simbolizava o triunfo da razão sobre os sentidos. O poeta Marino afirmava que isso simbolizava a coragem do duque Ferdinando em derrotar seus inimigos.

Orazio Riminaldi, Amor Vincit Omnia, 1624-1625

O conceito virgiliano de Omnia vincit amor na base desta pintura teve um ilustre predecessor no mesmo tema, pintado para o marquês Vincenzo Giustiniani por Caravaggio. Juntamente com os atributos usuais de arco e flecha, a figura de Amor, o Cupido romano, é circundada por uma série de itens que remetem à arte, ciência, fama literária, armamento e poderes terrenos que, além de compor elegantes exemplos de ainda vida, são também uma exortação a não ceder à paixão, mas a praticar as artes e outras atividades humanas (o gesto da mão do Cupido é importante aqui) para alcançar a harmonia.

Ticiano, Vênus de Urbino, 1534

Uma das mais famosas de Ticiano, esta obra retrata a figura emblemática de uma jovem noiva prestes a ser vestida para participar da celebração do ritual conhecido em Veneza como “il toccamano”. Era uma cerimônia realizada em casa e não na igreja, durante a qual uma jovem cuja mão era solicitada em casamento tocava a mão do noivo para expressar seu consentimento. Ticiano toma isso como sua inspiração para uma Vênus sedutora, usando uma iconografia que começou no início da Renascença, inspirada na antiga representação da “Vênus pudica”.


Roberto Barni, I passi d’oro (The Golden Strides), 2013

Na noite de 27 de maio de 1993, a cidade de Florença foi atingida por um terrível ataque da máfia. Cinco pessoas morreram no bombardeio e várias pessoas ficaram feridas, enquanto grandes danos também foram infligidos ao patrimônio arquitetônico, histórico e artístico ao redor. Para transformar este acontecimento trágico e horrível em uma lição de esperança e vida, para marcar o vigésimo aniversário do ataque em 2013, a Uffizi encomendou esta escultura a Roberto Barni.

Justus Suttermans, Madonna “Domenica delle Cascine”, la Cecca di Pratolino e Pietro moro, circa 1634.

Nessa obra, Suttermans, famoso retratista, que imortalizou e celebrou com sucesso as figuras mais importantes da família Medici, documenta com grande sagacidade o pequeno mundo doméstico que cercava e acompanhava a vida na corte. Neste caso, as duas velhas de rostos enrugados e expressões vivas e irônicas são Domenica delle Cascine, vendedora de patos e frangos, e uma camponesa Francesca, ou “Cecca” de Pratolino. Ambos são frequentemente mencionados nos documentos contábeis dos Médici. Domenica, em particular, é registrada como sendo paga não apenas por seu papel como aeromoça, mas também como animadora, frequentemente contratada para divertir o senhor e sua família com piadas e brincadeiras e para “bancar o Bobo”.

Cesare Dandini, Rinaldo and Armida, 1635

Esta obra fazia parte de um ciclo de dezenove pinturas inspiradas nos poemas de Ovídio, Ariosto e Tasso, encomendadas pelo Cardeal Carlo de Medici e destinadas a decorar seus apartamentos no Casino di San Marco. O episódio aqui mostrado é narrado no último canto de Jerusalém entregue, que se centra na terrível batalha entre os cruzados e o exército egípcio, quando Rinaldo e Armida se desafiam para um duelo.

Antonio de Pereda, Vanitas, circa 1670.

Esta natureza morta de Antonio de Pereda, pintor espanhol e especialista no gênero, apresenta todos os símbolos alusivos ao tema: caveiras, flores murchas que já não desabrocham, cartas de jogar, itens de luxo e armamento. A bela e contemplativa figura do anjo aponta para eles, convidando a renunciar a eles e a aplicar os valores corretos em vista de alcançar a salvação.

Piero della Francesca, The Duke and Duchess of Urbino Federico da Montefeltro and Battista Sforza, circa 1473-1475.

Uma das obras mais famosas de Piero della Francesca, o retrato duplo é representativo da relação entre o pintor e o casal; Piero era um convidado frequente em sua corte, encontrando-se em uma atmosfera culta e requintada que logo se tornaria um dos corações culturais e artísticos mais importantes da Itália.

Lorenzo Lotto, Susanna and the Elders, 1517

Na pintura, Susanna removeu suas roupas e pode ser vista ajoelhada em uma posição comparável à da Vênus Agachada, familiar através das cópias romanas do original grego do século III aC. Com o braço estendido, Susanna afasta os dois velhos e pronuncia a frase no pergaminho: Satius duco mori, quam peccare (prefiro morrer do que pecar). Um dos anciãos pronuncia então a acusação infundada de adultério: “Vidimus eam cum iuvene commisceri, ni nobis assenties testimonio nostro peribus“ (Testemunhamos que a vimos leitar com um jovem, que então fugiu). Os dois rolos fazem referência direta ao texto bíblico do Profeta Daniel, traduzido em imagens na pintura. É evidente a mensagem de louvor à virtude e à justiça femininas, transmitida através da obra em uma linguagem formal de influência de Leonardo da Vinci.

Plautilla Nelli, St Catherine with the Lily

Apesar das obras feitas por homens serem as mais conhecidas do acervo da Uffizi, a instituição tem o maior acervo de arte de mulheres do século 19! Desde 2017, o museu tem tentado mostrar cada vez mais mulheres que ficam escondidas em seu acervo. Uma delas é Plautilla Nelli, a primeira pintora mulher a ser reconhecida em Florença! Nesta obra, restaurada em 2013, destacam-se elementos muito importantes do trabalho da pintora no geral, como as expressões dos personagens e o muito vermelho lábios de suas figuras femininas.

Caravaggio, Bacchus, circa 1598.

A figura esculpida de Baco com uma expressão atordoada devido à embriaguez reproduz modelos da arte clássica, em particular os retratos de Antínous, e está impregnada de uma sensualidade lânguida. Na pintura, a eminente crítica de arte Mina Gregori detectou uma certa visão da antiguidade celebrando a liberdade dos sentidos, bem como uma referência aos trajes báquicos e aos ritos de iniciação praticados em Roma. Descoberta nos depósitos da Uffizi em 1913 e atribuída a Caravaggio pelo historiador de arte Roberto Longhi, a obra-prima pertence ao início da carreira do pintor em Roma, quando ele estava sob o patrocínio do cardeal Francesco Maria del Monte. Junto com a “Medusa”, foi doada pelo Cardeal del Monte a Ferdinando I de Medici por ocasião do casamento de seu filho Cosimo II em 1608.

Marini Marino, Pomona, 1941

Esta escultura foi realizada em 1941 juntamente com duas réplicas, uma das quais está na coleção do Musée Roayaux des Beaux Arts de Bruxelas. A artista interpreta Pomona como a Mãe Natureza, uma figura mítica e arquetípica que oferece o modelo perfeito para representar um mundo natural sereno e idílico. Com esta série, Marini encontra o seu estilo ideal para expressar a sua linguagem escultórica que visa reacender uma relação profunda com o classicismo mediterrâneo e, especificamente, italiano e toscano.

Artemisia Gentileschi, Judith Beheading Holofernes, circa 1620

A pintura foi concluída em Roma, onde Artemisia retornou após passar sete anos em Florença e onde pôde apreciar as obras de Caravaggio mais uma vez. A “virilidade” naturalista da obra provocou fortes reações desde a sua chegada a Florença e foi negada à pintura a honra de ser exposta na Galeria; na verdade, só com grande dificuldade e com a ajuda do amigo Galileo Galilei a pintora conseguiu extrair, com grande atraso, o pagamento que fora acertado com o grão-duque Cosimo II de ‘Medici, falecido em 1621 pouco depois a grande tela foi concluída. Hoje, esta pintura também representa a história humana e profissional de uma mulher que escolheu ser artista em uma época dominada pelos homens.

Raphael, Madonna del Granduca, 1506-1507

Esta é uma das obras mais famosas de Rafael e uma das imagens identificadas com a Palatine Gallery, o museu com o maior número de telas e painéis do artista do mundo. É uma das obras mais amadas de Raphael, na qual ele mostra toda a sua habilidade em representar assuntos sagrados de uma maneira humana imediata. Neste painel, a Virgem Maria é retratada em pé, com o Menino nos braços. Seu olhar melancólico está voltado para baixo enquanto ela segura seu filho na direção do observador, convidando-o a contemplar seu rosto sério e doce.

Sandro Botticelli, Birth of Venus, circa 1485.

A tela mostra deusa do amor e da beleza chegando em terra, na ilha de Chipre, nascida da espuma do mar e soprada ali pelos ventos, Zéfiro e, talvez, Aura. A deusa está de pé sobre uma gigantesca concha de vieira, pura e perfeita como uma pérola. Ela é recebida por uma jovem, que às vezes é identificada como uma das Graças ou como a Hora da primavera, e que segura um manto coberto de flores. Até as rosas sopradas pelo vento são uma lembrança da primavera. Assista ao Análise AQA sobre esta obra clicando aqui.

Gentile da Fabriano, Adoration of the Magi, 1423

O painel, que é assinado pelo artista e datado de 1423, é a melhor obra de Gentile e foi reconhecido como o exemplo mais importante de pintura gótica internacional na Itália. Apresenta extraordinária habilidade técnica no uso de técnicas específicas, como se pode observar nas grandes quantidades de folhas de metal, tendo um relevo que agrega um aspecto tridimensional aos itens, como as esporas do cavaleiro ou o punho de uma espada. No lugar do fundo dourado usado na época medieval, as cenas têm céu azul, demonstrando o interesse pela natureza e o início daqueles cânones culturais e estéticos que floresceriam no Renascimento.

Paolo Uccello, Battle of San Romano, 1435-1440.

Este painel na Uffizi episódio central da sequência narrativa que começa com Niccolò da Tolentino liderando as forças florentinas, na pintura agora na National Gallery de Londres, e concluindo com o Ataque de Michelotto da Cotignola, aliado do exército florentino, ilustrado no painel agora no Museu do Louvre em Paris. O ciclo decorativo foi encomendado por Lionardo Bartolini Salimbeni, iluminando a vida política florentina do início do século XV, para seu palácio em Florença, poucos anos após o próprio feito épico. Originalmente os painéis possuíam tampo em arco, a serem inseridos entre os arcos de uma sala coberta por arco de consolo.

Piero di Cosimo, Perseus frees Andromeda, 1510-1515

O tema da pintura, derivado das Metamorfoses de Ovídio, ilustra a história de um famoso casal da mitologia grega e parece adequado para o destino do painel, pintado como parte do mobiliário de um quarto nupcial, muito provavelmente de Filippo Strozzi o mais jovem e Clarice de Medici no Palazzo Strozzi em Florença, no qual o marceneiro Baccio d’Agnolo estava trabalhando em 1510-1511.