Exposição online Side by side explora a materialidade

A ação nasceu da união entre as galerias Victoria Miro e David Zwirner

Detalhe da foto Powell Street Grounds, 28 January 1912, de Stan Douglas
Detalhe da foto Powell Street Grounds, 28 January 1912, de Stan Douglas

Juntos somos mais. Se a pandemia que tomou conta do mundo inteiro nos provou alguma coisa é que só sobreviveremos com união e a solidariedade. Conectadas com o novo zeitgeist do nosso tempo, as galerias Victoria Miro e David Zwirner se uniram para criar uma exposição especial online, a Side by side. explora dualidades cada vez mais pungentes na arte e na sociedade: como o digital representa o físico? como estar presente em uma exposição sem estar presente? É interessante notar que, apesar de ser exclusivamente online, a mostra destaca trabalhos de cada artista que exemplificam a materialidade física de sua prática. Para garantir essa percepção ao espectador, as galerias publicaram uma versão em 3D de cada obra. Não é a mesma sensação de ver ao vivo, mas ajuda. 

Njideka Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby

A artista nigeriana Njideka Akunyili Crosby que vive  EUA cria pinturas figurativas cheias de referências e camadas simbólicas que negociam o terreno cultural entre a casa adotada, a América do Norte, e a casa do coração e sangue, a Nigéria. Suas composições combinam representações pintadas de pessoas e lugares de sua vida e experiências pessoais com transferências fotográficas derivadas de revistas nigerianas e outras fontes de mídia de massa. A artista forma, assim, a expressão da identidade diaspórica africana.  Nos retratos, feitos originalmente para a Bienal de Veneza de 2919, curada por Ralph Rugoff, ela explora a legibilidade do corpo como uma superfície, na qual cabelos, pele, roupas, jóias e auto-apresentação ressoam cultural e historicamente. Crosby cria nuances nas superfícies da tela usando tinta lisa ou misturada com mica, areia, mármore triturado ou carvão iridescente. “Seus olhos são sempre ativados conforme você se move… Quero colocar os espectadores neste espaço de transição para que eles comecem a existir em um mundo que se expande além de sua periferia”

Stan Douglas

Stan Douglas

O canadense Stan Douglas  examina a “utopia fracassada” do modernismo e das tecnologias obsoletas ao criar filmes, videoinstalações, fotografias  e, mais recentemente, produções teatrais e outros projetos multidisciplinares, que investigam os próprios meios dialogando com a história da literatura, cinema e música. Sua investigação contínua sobre o papel da tecnologia na criação de imagens e como essas mediações se infiltram e moldam a memória coletiva resultou em trabalhos que são ao mesmo tempo específicos em suas referências históricas e culturais e amplamente acessíveis.  Para Blackout, ele escreveu e encenou cenas de um cenário hipotético de emergência atual de perda total de energia na cidade de Nova York. As imagens da série são meticulosamente planejadas, entrelaçando fatos e ficção na evocação de eventos passados ​​que afetaram a cidade na vida real, como o apagão de 1977 ou, mais recentemente, o furacão Sandy. Douglas justapõe imagens que são fílmicas em sua ampla visão geral de como pode ser uma catástrofe sentida coletivamente, com outras que oferecem vislumbres íntimos de experiências individuais.

Powell Street Grounds, 28 January 1912 faz parte da série da Crowds and Riots em que o artista explora fenômenos de multidão do século 20. Cada fotografia leva um evento público, que vai do político ao social, como ponto de partida. Nesta foto, Douglas encena uma cena do Free Speech Demonstration realizada em Vancouver, em 1912. A partir de 1909 os membros do IWW (Industrial Workers of the World) começaram a fazer discursos para o grande número de pessoas que vieram à cidade à procura de trabalho. Em 1912 a IWW organizou uma manifestação no Powell Street Grounds que atraiu milhares de apoiadores. A reunião foi declarada ilegal e o principal orador foi preso. Quando a multidão protestou, a polícia limpou a área com cassetetes e chicotes.

Alice Neel

Alice Neel

Conhecida pela representação da forma humana, Alice Neel criou retratos ousadamente honestos de sua família, amigos, vizinhos, escritores, poetas, artistas e ativistas, entre outros. Esta “honestidade ousada” pode ser vista no impressionante retrato de David Sokola – que foi apresentado à Neel como cineasta, mas na verdade era lavador de pratos – e a tenra pintura de mãe e filho, pintada logo após a morte de sua própria filha. As pinturas de Neel são diretas, íntimas e, às vezes, bem-humoradas – esses sentimentos e muito mais são expressos não apenas nas opções de cores e composição, mas em suas pinceladas e desenvoltura nas formas. Como o   menciona Mira Schor “(…) a percepção do trabalho dela é a de um pintor: cada pincelada me envolve em uma conversa com a pintura específica e com a história da pintura”.  Seus retratos de mulheres e crianças, como Mother and Child são especialmente expressivos de intimidade e compaixão – afinal é o resultado de uma visão a partir da sua própria experiência como mulher e mãe. Sobre o retrato de David Sokola a artista comenta, “Eu amo suas pernas finas e também acho que é um nariz magnífico”. 

Chris Ofili

Chris Ofili

Com suas pinturas caleidoscópicas e trabalhos em papel que habilmente mesclam abstração e figuração, Chris Ofili é reconhecido pelos trabalhos lúdicos de múltiplas camadas criadas com uma mistura de resina, glitter, colagem e outros materiais. Ofili emprega uma gama igualmente diversificada de fontes visuais e culturais, bem como referências literárias e históricas da arte para criar obras que apontam para diferentes estereótipos raciais e crenças religiosas. Suas paletas de cores são exuberantes, com fortes linhas gráficas, padrões e formas criadas a partir de materiais contrastantes, como óleo, folha de ouro e carvão vegetal – um ritmo visual dinâmico que muda e pulsa.  Por causa da sua materialidade e efeitos ópticos, são telas que, quando vistas pessoalmente, “imploram para você chegar mais perto”, como expressa Scott Idrisek no Modern Painters.

Grayson Perry

Grayson Perry

Grayson Perry é um cronista da vida contemporânea, usando cerâmica, tapeçaria e gravura para lidar com identidade, gênero, status social, sexualidade e religião.Os vasos de cerâmica enganosamente belos do artista – cobertos com desenhos, sgraffito, textos, estampas, transferências fotográficas e esmaltes ricos – são projetados para seduzir e desarmar. Depois de um olhar mais atento pelas superfícies é possível perceber melhor os comentário do artista. Triumph of Innocence é um vaso altamente decorado, cujos ricos esmaltes e camadas de transferência de imagens e sgraffito podem corresponder a camadas de memória ou consciência, bem como a pensamentos conflitantes sobre a infância e o passado. Decorado com imagens de indivíduos radiantes, alegremente felizes no trabalho ou no lazer beijado pelo sol, Searching for Authenticity aborda os conceitos escorregadios de sentido e significado, vida e estilo de vida – o que pode ser autenticamente experimentado ou simplesmente adquirido.

Franz West

Franz West 

Em meados da década de 1980, Franz West começou a produzir formas esculturais abstratas pintadas que ele chamava de “esculturas legítimas”. Embora eles devessem ser manuseados pelo espectador como quisessem, subvertendo os modelos tradicionais de exibição, as esculturas mostradas aqui devem questionar também o ideal estético da obra de arte autônoma. Embora seja conhecido principalmente como escultor, o artista resiste à categorização, incorporando desenho, colagem, vídeo e instalação ao seu trabalho. E se existe algum artista que explora a materialidade com fervor, é West: ele usou papel machê, papelão, gesso, imagens encontradas e até móveis como base para seus trabalhos. Faz uma manipulação lúdica de materiais e imagens cotidianas de maneiras novas, resultando em objetos que chamam a atenção para a maneira como a arte é apresentada ao público e como os espectadores interagem com ela e entre si, redefinindo a arte como uma experiência social.